Galleria del Palazzo Coveri

WOMEN’S

mostra collettiva d’arte contemporanea

a cura di Marco Testa

23 maggio – 1 giugno 2012

Firenze - Lungarno Guicciardini, 19

Comunicato stampa

Sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica del Ministero dei Beni Culturali, con i Patrocini del Comune e Provincia di Firenze,  Regione Toscana.

Dal 23 maggio al 1 giugno 2012, in occasione della terza edizione del “Florence Design Week”  la Galleria del Palazzo Coveri ospiterà WOMEN’S a cura di Marco Testa.                                                                                    La collettiva d’arte contemporanea presenta 13 artisti - Akiko Chiba, Angelo Barile,  Calogero Marrali, Eleonora Spezi, Enrico Grasso, Giuseppe Petrilli, Ina Nikolic, Lisa Nocentini, Luloloko, Mariarosaria Stigliano, Meri Tancredi, Silla Guerrini, Vania Elettra Tam-  confrontando linguaggi culturali ed espressivi diversi come la pittura, la scultura, la grafica, la performance e l’installazione, sul tema dell’universo femminile.                                                                                                                                                            Durante la vernice, PERFORMANCE di Ina Nikolic “Face”

                                                                                                                                                           

Testo critico

Quando il reale è inenarrabile, si può solo mostrare il surreale.

Professioniste, persone comuni, adolescenti, mature, frivole, profonde, ogni donna è espressione di un mondo ricco di sfumature diverse, spesso contraddittorie.  Il punto di vista maschile, talvolta, coincide con quello femminile, ma spesso ne diverge assumendo aspetti paradossali. Esistono donne che reagiscono agli stereotipi consolidati nel tempo, stratificati nella società, eppure il conformarsi sembra inevitabile. D’altronde Einstein era convinto che fosse più facile rompere l’atomo che un pregiudizio. Nonostante tutto, l’universo femmineo resta magmatico, irrefrenabile, inarrestabile: la sua continua, veloce evoluzione sembra talvolta persino un’involuzione. Stacanoviste sul lavoro, ma sempre pronte a trovare spazio per un vezzo. Compagne e avversarie, succubi e dominanti, “esibizioniste” e ritrose, protagoniste nella società ma spesso dalla società discriminate. Il razionale e l’irrazionale, tutto e il contrario di tutto.

La mostra Women’s, ospitata dalla Galleria del Palazzo Coveri per il Florence Design Week 2012, vuole esplorare l’universo femminile con gli occhi di 13 artisti.

Le raffinate incisioni alla “maniera nera” della giapponese Akiko Chiba guidano in un viaggio introspettivo nella società contemporanea facendo emergere la forma, che diviene emozione, dal buio dell’anima di chi non si conforma e subisce l’esclusione.

Le deformazioni prospettiche nelle opere pittoriche di Angelo Barile, invece, toccano l’emisfero ludico infantile, caratterizzato dagli estremi contrapposti di malizia e ingenuità: donne dominatrici e “angiolotti” si sovrappongono a “reginelle” dagli sguardi maliziosi.

Le sculture di Calogero Marrali si materializzano in un’atmosfera POP, nel “feticcio” per antonomasia della scarpa: un accessorio, che assume il valore di supporto per un racconto.

Eleonora Spezi trova la sua forza espressiva nella tecnica dell’incisione, contaminata ora con l’acquarello ora con il collage. L’aspetto onirico trova concretezza nella memoria di donne, che hanno lasciato un’orma nella storia di ognuno di noi.

La pittura di Enrico Grasso si focalizza in quella perfetta simmetria di forma e colore che è propria dell’universo femminile e insinua ironicamente che, anche sotto la dichiarata mascolinità dell’uomo, si possono nascondere le forme sensuali della femminilità, infrangendo così fragili certezze.

I disegni rielaborati digitalmente da Giuseppe Petrilli colgono l’aspetto più conturbante del mondo femminile: un mondo che, se rispecchia l’immaginario collettivo maschile nelle forme prorompenti della pin-up, nasconde nei suoi tratti quell’idea universale di leggerezza, necessaria per affrontare la vita come una vacanza.

Ina Nikolic, nella sua performance, “Face”,  scava negli stereotipi di femminilità alla ricerca della propria identità, fino a far riemergere la dignità di donna e non quella di una sua icona.

Le sculture in terracotta di Lisa Nocentini, una tra le più interessanti personalità artistiche della scultura in ceramica del panorama italiano contemporaneo, raccontano con un linguaggio surreale il reale. E tanto più questo diviene inenarrabile per la sua banalità e crudezza, tanto più nasce la necessità di metafore o parabole per comprenderlo e rappresentarlo.

Il congolese Luloloko sperimenta tecniche e linguaggi, contaminando le origini con il contemporaneo; memore delle avanguardie artistiche, si proietta oltre la materia affinché il colore divenga insieme forma e idea.

Mariarosaria Stigliano rende fluido il segno della sua pittura e il colore diviene liquido, suggerendo suggestioni di un mondo fluttuante, proprio della società che Zygmunt Bauman chiamerà “liquida”: le architetture urbane sovrastano le figure umane, che divengono fragili ricordi impressi nella memoria.

L’installazione concettuale di Meri Tancredi contrappone la leggerezza delle idee alla pesantezza delle parole a loro connesse, spesso logorate da un uso improprio del linguaggio che il tempo inesorabilmente condiziona.

Il trittico Farfallina di Silla Guerrini è un’installazione scultoreo-pittorica complessa e articolata, che racconta in tre distinti momenti l’illusione adolescenziale, l’affermazione giovanile e il disincanto della donna cosciente.

L’ironia nelle opere pittoriche di Vania Elettra Tam trascina inevitabilmente il pensiero verso il mondo femminile, quale è ritratto nella fortunata serie televisiva Desperate housewives, dove l’alienante quotidianità è scavalcata con giocose ed esasperate acrobazie. Meglio ancora, tuttavia, alla sua arte si potrebbe riferire quanto Almodovar disse delle sue Donne sull’orlo di una crisi di nervi: «Una commedia sofisticata, molto sentimentale. Qualunque stramberia appare verosimile se implica dei sentimenti. L’emozione sentimentale è sempre il miglior veicolo per raccontare qualunque storia. E l’allegria, ovviamente, lo stavo dimenticando. Perché da una commedia, di qualunque tipo essa sia, deve traspirare allegria».

Ogni artista utilizza gli elementi dell’ironia, della sensualità, della melanconia, del sogno, e forse anche gli incubi dell’alienazione, e li muta in simboli e in codici, per raccontare in forme estreme la vita ordinaria, stimolando una chiave propositiva di cambiamento attraverso il paradosso. Tentare di comprendere il mondo femminile è per le stesse donne impresa spesso non facile. È come interpretare un sogno: immergersi e fluttuare in un universo surreale.

Marco Testa

Informazioni utili

Sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica del Ministero dei Beni Culturali

Patrocini : Comune e Provincia di Firenze,  Regione Toscana

Collaborazione : Florence Design Week

Titolo: Women’s. Collettiva di Arte Contemporanea                                              

Artisti: Akiko Chiba, Angelo Barile,  Calogero Marrali, Eleonora Spezi, Enrico Grasso, Giuseppe Petrilli, Ina Nikolic, Lisa Nocentini, Luloloko, Mariarosaria Stigliano, Meri Tancredi, Silla Guerrini, Vania Elettra Tam- 

A cura di:  Marco Testa

Indirizzo:Galleria del Palazzo Coveri.

Palazzo Coveri - Lungarno Guicciardini,19 - 50125 Firenze

Inaugurazione: 23 maggio 2012 ore 18.00

Performance: nell’ambito dell’inaugurazioni “Face “ di Ina Nikolic

Durata: 23 maggio – 1 giugno 2012                                             

Orario:  11:00/13:00—15.30/19.30 (chiuso lunedì)

Ingresso: Libero                                                                

Informazioni: Tel.  (+39) 055 281044                                                                        

8MANI

PALAZZO BOMBICCI STROZZI

8MANI

mostra collettiva d’arte contemporanea

a cura di Marco Testa

con la collaborazione di Asli Bicakci

22-27 maggio 2012

Firenze - Corso Tintori 21

Comunicato stampa

Sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica e del Ministero dei Beni Culturali, con i Patrocini del Comune e della Provincia di Firenze, e della Regione Toscana.

Il 22 maggio 2012, in occasione della terza edizione del Florence Design Week, presso la “Sala rosa” di Palazzo Bombicci Strozzi, si inaugura la prima edizione di “8MANI project”, a cura di Marco Testa.                                                                                    

Il progetto ha lo scopo di promuovere la cultura e l’espressione artistica emergente turca in Italia.

8MANI è un progetto che promuove una Turchia cosciente del proprio passato e della propria storia, e che riesce a proporsi con forme e linguaggi contemporanei nel contesto internazionale del Florence Design Week con il tema “Connecting Time”.

Ismail Acar, Faruk Bil, Nur Gokbulut, Cemile Kaptan, Batya Kebudi, Yasemin Lumali, Irem Senemoglu, Seray Vural sono le otto personalità artistiche, selezionate fra quelle iscritte al progetto 8MANI, che con lavori di pittura, grafica digitale, gioielleria, ceramica, installazione e video portano la cultura turca a confrontarsi in un contesto come quello dell’INTERNATIONAL ART EXPO FOR FLORENCE DESIGN WEEK 2012.

Note sugli artisti                                                                                                                       

L’iperrealismo pittorico di Ismail Acar sembra non essere sufficiente. L’artista sente la necessità di andare oltre l’icona del Semazen che volge le spalle all’astante, introducendo l’elemento concettuale della scrittura braille, in cui descrive ciò che è rappresentato. Magritte (1898-1967) negava con le parole scritte l’oggetto raffigurato in “Ceci n’est pas une pipe”; Hokusai Katsushika (1760-1849), in un’incisione che appartiene all’ottavo libro dei manga, rappresenta dieci ciechi che tentano di misurare un elefante, in cui l’animale diviene simbolo del conoscibile. Le affinità con l’opera di Acar sembrano condividere il pensiero per cui l’uomo può conoscere soltanto una parte di realtà tangibile, affidandosi alla metafisica per l’inconoscibile.

L’opera “POLIS-POLY-POLI City, Plurality, Inheritance” di Faruk Bil nasce con un intento esplicitamente concettuale per interpretare il tema del “Connecting time”, inteso come conflitto tra chi vuole una rottura con il passato e chi invece vuole mantenere il legame con esso. Se l’approccio concettuale è reso sotto forme simboliche, il linguaggio è dichiaratamente POP. L’utilizzo della tecnica e la molteplicità del frame che si ripete ne sono un esempio. La grafica digitale permette sovrapposizioni e interazioni: le campiture monocrome degli sfondi bianco, verde, viola e rosso assumono significati simbolici peculiari in relazione con gli altri elementi. I titoli dei quattro quadri “I have plans for this afternoon”, What time is it?”, “I’m Lost!” e “Tomorrow?” interagiscono con i colori, alternando affermazioni alle domande. I neri reticoli che ricostruiscono porzioni della pianta del Monastero della Chiesa Myreleon di Istanbul (simbolo di stratificazioni culturali e temporali) divengono meandri in cui la donna che passeggia mentre parla al telefono sembra perdersi. L’artista Bil evoca, nella sua opera, le contraddizioni della società e dei poteri che la rappresentano, senza rinunciare a un’interpretazione ironica della questione.

L’astrazione circolare dell’artista Nur Gokbulut insiste nel segno che diviene disegno, poi lettera e infine scrittura. La “meridiana ottomana” diviene simbolo e sintesi in un impianto “architettonico” in cui il tempo è scandito dall’ombra che diviene forma: esile struttura inscritta  in una cornice elicoidale, elemento simbolico di vita eterna che torna spesso nelle sue opere. L’inizio e la fine che si rincorrono, dunque, il “Connecting time” tra storia e presente, in cui ci si rifugia con deboli certezze, legati forse da archetipi ancestrali.

Il video di  Cemile Kaptan “46 minutes - from Chios to Cesme” è il “Connecting time” dall’isola alla terra ferma, dalla Grecia alla Turchia, dall’Occidente all’Oriente. Tra le tante leggende si vuole che Chios sia l’isola in cui è nato  Omero e Cesme, in italiano, significa “sorgente”. La moltitudine di collegamenti mentali fra queste due realtà è lasciata allo spettatore, che guarda soltanto ciò che le separa: il mare. Mare profondo, potente, unico protagonista, elemento vivo di congiunzione fra due culture; mare che le lambisce entrambe, facilitandone l’osmosi. In fondo la distanza temporale è relativa: solo 46 minuti.

I gioielli di Batya Kebudi giocano con colori e simboli mischiando sacro e profano. Il logo del brand si accosta al simbolo religioso, senza contrapposizione perché tutti “simboli della vita”. Il design pulito e accattivante propone in chiave contemporanea l’idea del talismano. Dichiara infatti la stessa Batya Kebudi: “… credo che i miei pezzi porteranno fortuna a tutti coloro che li indosseranno”.

Estremamente interessante il lavoro di Yasemin Lumali, in cui l’artista utilizza la tradizione mitologica di Kybele, la Divinità Madre, per un’opera che assume caratteristiche onirico-simboliche. L’utilizzo della tecnica pittorica acrilica su collage di carta esalta l’espressività coloristica dell’opera. Il volto capovolto guarda intensamente l’astante, generando un intimo colloquio in cui la profondità dell’azzurro si insinua fluttuante come un pensiero. Terra, fuoco, aria e acqua: tutti gli elementi della Natura sono presenti nei colori e nelle forme, trovando armonia nella presenza di Kybele. Per Yasemin Lumali la storia letta con il fascino della mitologia è il “Connecting time”, il mezzo con cui l’individuo può far coincidere il pensiero con le emozioni, per essere un uomo contemporaneo realmente libero da pregiudizi culturali.

Irem Senemoglu ha una formazione di interior designer e la sua ricerca strettamente artistica trova proprio nel design una dichiarata contaminazione. La sua opera si compone di vari materiali, che si assemblano e si sovrappongono a elementi pittorici creando effetti di trasparenze. La sua astrazione rispecchia, in realtà, la condizione delle città contemporanee in forte espansione dove le sovrapposizioni tra passato e presente talvolta celano o svelano, si accostano o invadono. L’abilità dell’artista è nel ponderare sapientemente le forme e i colori, dosando gli elementi alla ricerca di un equilibrio tra pieni e vuoti, che spesso risulta stabile per quelle campiture monocrome capaci di dare forza e solidità a ciò che apparirebbe fragile.

La ceramica di Seray Vural riproduce in forme sintetiche il contrasto fra natura e uomo. L’eleganza del contrasto cromatico trova forza in un design dalle forme morbide, che richiamano comunque alla natura. Questa, quando viene addomesticata, rimane comunque fluida, libera dalle costrizioni aritmetiche. La geometria delle forme e delle linee non diviene mai elemento rigido strutturale. Gli elementi umani come la sacca portafrecce 'Sadak', usata dai soldati durante le guerre, o la decorazione delle piastrelle Cintemani, divengono, per l’artista,  compromesso tra reale e irreale, fra pensiero e fantasia momento di connessione fra passato e presente.

                                  

Informazioni utili

Sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica e del Ministero dei Beni Culturali,

Patrocini : Comune e Provincia di Firenze,  Regione Toscana

Artisti: Ismail Acar, Faruk Bil, Nur Gokbulut, Cemile Kaptan, Batya Kebudi, Yasemin Lumali, Irem Senemoglu, Seray Vural

A cura di Marco Testa

con la collaborazione di Asli Bicakci

Indirizzo: Palazzo Bombicci Strozzi - Sala Rosa

Corso Tintori 21, Firenze

Inaugurazione: 22 maggio 2012, ore 18.00                

Durata: 22-27 maggio 2012                                           

Orario:  martedì-domenica, 11:00-18:00

Ingresso libero    

E-mail: info@immaginae.com

Tel.: (+39) 055-265.81.3

CARTON-JAZZ - MARCO NERIERI

In occasione della decima edizione dell’Ah-Um Milano Jazz Festival, la Galleria Ostrakon ospiterà dal 15 al 20 maggio 2012 CARTONJAZZ - MARCO NERIERI, a cura di Marco Testa.                                                                                   

L’inaugurazione avrà luogo il 15 maggio alle ore 18,30. Alle ore 19,00 si terrà il concerto di Tito Mangialajo Rantzer.

“Il nome della galleria non è riferito a nessuna messa al bando o esclusione, ma al bozzetto, alla freschezza del bozzetto”. Questo è l’incipit con cui il titolare Dorino Iemmi presentava gli spazi espositivi di Ostrakon nel 2009.

L’opera e la ricerca artistica di Marco Nerieri sembrano proprio interpretare il concept della galleria. Specie in questi ultimi lavori su cartone da imballo riciclato, presentati la prima volta a Milano, si accentua l’estemporaneità dei tratti con l’immediatezza di uno schizzo dal segno semplice ma determinante, che caratterizza una ritrattistica schietta e pulita, peculiarità queste comuni al mondo del jazz. I ritratti presentati nella mostra Carton-Jazz perdono il senso di consacrazione dell’immagine, che viene sdrammatizzato dalla collisione di gesti e pose di musicisti e pubblico con gli elementi prestampati che caratterizzano il cartone da imballo. Un marchio pubblicitario diviene parte integrante del ritratto stesso, innescando l’intuitiva constatazione che l’uomo, in quanto consumatore, ormai è parte della merce che fruisce”.

I ritratti si identificano con il loro supporto. Per citare Marshall McLuhan, “il medium è il messaggio”, che diviene simbolo in quanto materia: in un’era in cui tutto è stato sostituito dalla plastica, il medium resta dunque insostituibile. Nerieri sembra ricordarci che il cartone è come l’uomo, apparentemente di poco valore, ma proprio per questo essenziale ed unico.    (Marco Testa)

Informazioni

Collaborazione: Ah-Um Milano Jazz Festival

Titolo: Carton-Jazz

Artisti: Marco Nerieri

A cura di Marco Testa

Luogo: Galleria Ostrakon - via Pastrengo 15, Milano

Vernissage: 15 maggio 2012, ore 18.30

Concerto inaugurale: Tito Mangialajo Rantzer, ore 19,00

Durata: 15-20 maggio 2012

Orario: mar.-sab. dalle 15.30 alle 19.30

Ingresso libero

Ufficio stampa: Lettera 32 Media Relations (info@lettera32.com - mob. 338 9522526)

Galleria Ostrakon

dorino.iemmi@fastwenet.it - Tel.  331 2565640

SOUND IN THE ART - AH-UM MIlano Jazz Festival

Dal 10 al 30 maggio 2012, in occasione della decima edizione dell’Ah-Um Milano Jazz Festival, l’Associazione Sassetti Cultura-L’isola d’Arte ospiterà Sound in the Art, a cura di Marco Testa.

L’inaugurazione avrà luogo nella sede della galleria, il 15 maggio alle ore 18,30, con il concerto di Paolo Botti (viola, banjo, dobro), in solo e con Mariangela Tandoi (fisarmonica) e Betty Gilmore (voce).

I 6 artisti in esposizione (Alfonso Bonavita, Manlio Caropreso, Caterina Ciuffetelli, Francesca Fini, Francisco Goya) permettono il confronto tra linguaggi culturali ed espressivi diversi - come la pittura, la scultura, la grafica, la video-arte - sul tema del suono nell’arte.

SOUND IN THE ART

Sei artisti tramutano in arte visiva l’armonia del suono, anche in forme dissonanti, dove la melodia è fatta di segni e pause, dove la musica è esplicitamente dichiarata o inconsciamente percepita. Il suono si materializza in immagini e le note si celano nella memoria di un’intima melodia. Pittura, scultura, incisione e video-arte, coniugano forme visive con l’epifania di un fonema.

(Marco Testa)

Note sugli artisti

Alfonso Bonavita vive e lavora a Genova. “… le sue figure-non figure in realtà non sono che entità che recitano a soggetto e le campiture dei suoi quadri non sono che la rappresentazione di una realtà oggettiva. Le ingombranti, goffe, indistinte masse in movimento che popolano le sue opere e affollano lo spazio in modo invasivo, impersonale, inutile non sono che parodie dell’esistente”. (Da Beatrice Buscaroli: “Es-Empio”)

Manlio Caropreso pittore e artista multimediale. Vive e lavora a Malta e Milano.

Caterina Ciuffetelli infonde vita e vitalità a piccoli segni calligrafici, che ora si stagliano, ora si conformano, variando nel tempo, nella luce, nei colori. Quei segni sono parole infrante, note sospese, quel che resta di un linguaggio fatto di segni e pause. La sua ricerca archeologica nasce dallo sforzo di ritrovare i mezzi espressivi, che consentano di comunicare le nostre emozioni e ridare loro dignità.

Francesca Fini È video artista, live media & body art performer. “Disegno con il colore digitale ma anche con il suono, perché il movimento della mia mano sulla tavoletta viene tracciato e trasformato in suono da un sintetizzatore. La penna grafica diventa la bacchetta di un direttore d'orchestra che dirige e modula strumenti virtuali, in perfetta sinestesia con le macchie di colore che attraversano i corpi delle ballerine. (Da Francesca Fini).

Francisco Goya Uno dei più grandi pittori spagnoli (1746-1827). L’opera Follia dei tori è una tavola inserita in Desparates, la serie più matura e oscura del maestro, stampata per la prima volta solo nel 1877. Sembra che ogni tavola sia da ricollegare a un proverbio o a un modo di dire reinterpretato dalla visionarietà dell’artista: un ardito quanto improbabile sogno che vede quattro tori impossessati da una frenetica danza.

Allen Jones Nato nel 1937, è entrato tra i grandi della Pop Art negli Anni ‘60 insieme a personaggi di spicco e di successo come David Hockney e Richard Hamilton, artisti che hanno contribuito enormemente a creare la mitica immagine della Swinging London, fatta di creatività, contaminazione di linguaggi e trasgressione intellettuale.

Informazioni utili

Collaborazione : Ah-Um Milano Jazz Festival

Titolo: Sound in the Art. Collettiva d’Arte          

Artisti: Alfonso Bonavita, Manlio Caropreso, Caterina Ciuffetelli, Francesca Fini, Francisco Goya

A cura di:  Marco Testa

Luogo: Associazione Sassetti Cultura - L’isola d’Arte, via Volturno 35, Milano

Inaugurazione: 15 Maggio 2012, ore 18.30

Concerto inaugurale: Paolo Botti (viola, banjo, dobro), in solo e con Mariangela Tandoi (fisarmonica) e Betty Gilmore (voce).

Durata: 10-30 Maggio 2012

Orario:  lun.-ven. 10:30-13:30 / 16.00-19.00 (sabato e domenica su appuntamento)

Ingresso: libero                                               

Ufficio stampa: Lettera 32 Media Relations (info@lettera32.com - mob. 338 9522526)

Associazione Sassetti Cultura - L’Isola d’Arte

http://www.sassetticultura.it

info@sassetticultura.it

Tel.  (+39) 02 69002988